Barroco
Breve introducción histórica:
Aunque se suele entender como un período artístico específico, estéticamente el término «barroco» también indica cualquier estilo artístico contrapuesto al clasicismo.
El arte se volvió más refinado y ornamentado, con pervivencia de un cierto racionalismo clasicista pero adoptando formas más dinámicas y efectistas y un gusto por lo sorprendente y anecdótico, por las ilusiones ópticas y los golpes de efecto. Se observa la representación realista.
Este período se desarrolló en todas las artes. En el ámbito musical:
La música del siglo XVII y mediados del siglo XVIII tiene una serie de características comunes y debido a esto nace el período denominado Barroco.
La música barroca podía tener una textura homofónica, donde la voz superior desarrolla la melodía sobre una base de bajos con funciones armónicas. Durante los siglos XVI y XVII se extiende el desarrollo del bajo continuo: una línea de bajo instrumental sobre la que se improvisaban en acordes los tonos intermedios. El bajo continuo duraba toda la obra y se apoyadas en él se improvisaban melodías mediante acordes, con normalmente un teclado. El bajo continuo fue esencial en la música de este período.
En este período destacan numerosos géneros como la cantata, ópera, oratorio, sonata, preludio, fuga y suite.
Entre los muchos compositores barrocos destacan Monteverdi, Scarlatti, Vivaldi, Lully, J.S.Bach y Handel.
El Barroco está dividido en tres períodos:
-Período temprano (1600-1650).
-Período intermedio (1650-1700).
-Período tardío (1700-1750).
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Guitarra barroca (siglos XVII y XVIII)
Breve introducción.
A finales del siglo XVI la vihuela fue perdiendo el papel tan importante tenía en la sociedad española. En estos años aparece un nuevo instrumento punteado que reune características de la vihuela y de la guitarra de cuatro órdenes. Este nuevo instrumento era llamado generalmente guitarra, aunque con frecuencia aparece también como vihuela. Para evitar confusiones con otros modelos de guitarra, actualmente se ha adoptado la expresión guitarra barroca, porque tuvo su vigencia en la época que se conoce como Barroco (siglos XVII y gran parte del XVIII).Características del instrumento.
La
guitarra barroca cambia respecto a la guitarra renacentista del Siglo anterior.
Tenía
forma similar a la actual, pero más pequeña y el ocho estaba menos
pronunciado.
La
boca de la guitarra tenía una taracea labrada y la ornamentación
del instrumento en la tapa como en otras partes de la guitarra, le
daba un atractivo estético añadido.
Se le añadió un orden más en el registro grave, estando formada ahora por cinco órdenes dobles, excepto la primera. Las cuerdas no estaban ordenadas en función de la afinación, por eso la guitarra barroca tiene su propio repertorio y su estilo personal, distinto de la guitarra renacentista y la vihuela. Es un instrumento delicado, pudiendo ser solista en las numerosas orquestas que se forman en este período.
En la actualidad se conservan gran cantidad de guitarras barrocas, siendo ejemplo de la gran variedad con la que eran construídas. Se pueden apreciar desde guitarras con adornos austeros hasta guitarras recargadas y costosas por su gran ornamentación. Esto refelja el estilo del rococó. Los
constructores de guitarras fueron numerosos, destacan los franceses y
los italianos; entre ellos Antonio Stradivarius, uno de los
constructores de violines más famosos de la historia.
Las guitarras están
construidas con maderas de primera calidad, ligereza en las tapas
y aros, gran profusión de adornos y, sobre todo, el uso del célebre
barniz, creación de Stradivari.
Algunos ejemplos de guitarras barrocas conservadas y expuestas en la actualidad son las siguientes:
-La guitarra de
Cremona (1680) conservada en el Museo Ashmolean de Oxford
-La
guitarra de 1700 del The Shrine Museum de Estados Unidos y la
guitarra de 1711 del Musée de la Musique de París.
Una curiosidad es que la guitarra barroca fue conocida en su época como "guitarra española". Esta razón nos la explica Gaspar Sanz:
“Los Italianos,
Franceses, y demás Naciones, la gradúan de Española a la Guitarra;
la razón es, porque antiguamente no tenia más que cuatro cuerdas, y
en Madrid el Maestro Espinel, Español, le acrecentó la quinta, y
por esto, como de aquí, se originó su perfección. Los Franceses,
Italianos, y demás Naciones, a imitación nuestra, le añadieron
también a su Guitarra la quinta, y por esto la llaman Guitarra
Española.”
La guitarra barroca sufrió un gran
proceso de evolución que comenzó con el acompañamiento de monodías
con acordes rasgueados, hasta la combinación magistral de rasgueado y estilo punteado en
grandes formas como: pasacalles, chaconas y suites. Esta evolución
le permitió al instrumento, pasar de ser considerado estrictamente
popular a ser interpretado en las cortes de
Francia, Inglaterra, España y los Países Bajos, entre otros.
Fue realmente en el
siglo XVII y hasta la segunda mitad del XVIII cuando la guitarra barroca alcanzó
toda su popularidad, momento en el cual gran cantidad de excelentes
músicos se interesaron por ella.
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| Guitarra barroca |
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| Rosa guitarra Barroca |
Afinación
Los órdenes cuarto y quinto admitían afinaciones diferentes combinando los bordones y las cuerdas agudas. Estas eran las posibilidades más usadas:
Se podían mezclar cuerdas graves y agudas o poner solo agudas en los órdenes quinto y cuarto. El primer encordado era más adecuado para usar la guitarra como instrumento acompañante, mientras que el segundo se usaba para que resaltase el esplendor del instrumento como solista. Cuando no se incorporaban los borbones, se podían emplear recursos y crear efectos donde la guitarra barroca podría parecer un arpa. Es la técnica conocida como «campanelas».
La facilidad del manejo de la guitarra hace que sea popular en toda Europa. Los guitarristas se convirtieron en defensores de la perfección de su instrumento, creando tratados donde se defendía esto.
Notación.
La notación incluye el uso de la tablatura y el alfabeto o abecedario. Con respecto a la tablatura, se tienen dos clases: tablatura italiana y tablatura francesa; y del alfabeto tenemos tres principales: alfabeto italiano, alfabeto castellano y alfabeto catalán.
-La tablatura :
La tablatura es el sistema de notación musical usado por los instrumentos de cuerda pulsada del Renacimiento y el Barroco. Consiste en un diagrama de líneas paralelas que representan las cuerdas del instrumento, sobre las líneas se localizan letras o números que indican las posiciones de los dedos sobre los trastes, el ritmo de las notas se indica en la parte superior de las líneas.
Dependiendo del número de líneas, existen tres diferentes diagramas de tablatura:
-Tablatura de
cuatro líneas: utilizada para la guitarra de cuatro órdenes.
-Tablatura de
cinco líneas: utilizada para la guitarra barroca.-Tablatura de seis líneas: utilizada para la laúd renacentista, laúd barroco, archilaúd y tiorba.
• Tablatura
italiana: se utilizaron números para la indicación de los
trastes. Los números van desde el 0, 1.. hasta la cantidad de
trastes que tuviera el instrumento, generalmente entre 10 y 12. El
número 0 representa que la cuerda se toca al aire, el 1 que debe ser
tocada en el primer traste y así sucesivamente; la indicación del
traste 10 se hacía en números romanos (x) para que no se
confundiera con el 1-0, el traste 11 se indicaba (II). La primera
cuerda se localizaba en la parte inferior. Este tipo de tablatura fue
la más difundida y fue utilizada por compositores italianos y
españoles.
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| Tablatura italiana. |
• Tablatura
francesa: se utilización letras para la indicación de los
trastes. Las letras iban desde la a, b.. hasta la cantidad de trastes
que tuviera el instrumento. La letra a indicaba que la cuerda se
tocaba al aire, la b que debería tocar en el primer traste y así
sucesivamente. Dentro de la tablatura francesa la letra j no existía,
entonces en la secuencia se pasaba directamente de la i a la k. Fue
usada por compositores franceses, de los Países Bajos y Corbetta en
los libros impresos en Francia.
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| Tablatura francesa. |
El sistema de
tablatura representa muchas ventajas, existe una desventaja
importante frente al sistema de notación en pentagrama. Esta
desventaja consiste en que la duración de todas las notas dentro de
un mismo acorde o intervalo no está determinada, las figuras
rítmicas ubicadas en la parte superior de la tablatura sólo indican
la duración de la voz que lleva el ritmo más activo pero no indican
la duración de las voces internas, es labor del intérprete analizar
la conveniencia de mantenerlas y con qué valor rítmico.
-El alfabeto o abecedario:
El alfabeto o abecedario es un sistema de indicación de los acordes de la guitarra mediante el uso de letras, números o signos. Las letras van desde la A a la Z, los números del 1 al 9; más el uso de los siguientes signos: +, &. Cada letra, número o signo representa una posición fija de los dedos sobre el mástil que se puede transportar a lo largo del instrumento con el uso de la cejilla.
Las características
de los distintos tipos de alfabetos:
- Alfabeto italiano:
utiliza las letras para designar acordes. Fue usado por compositores
italianos y españoles, además fue referenciado en los libros de GB
de los franceses. Ejemplo: A, B, C, D... • -Alfabeto castellano:
utilización de números, letras y signos para designar los acordes.
Usado por compositores españoles. Ejemplo: 1, 2, 3... +, C, P.- Alfabeto catalán: utilización de números con la adición de la letra n o b para designar si el acordes es mayor o menor. Usado por compositores españoles. Ejemplo: 1n, 2n, 3n... 1b, 2b...
-Italiano:
El alfabeto
italiano fue el más popular entre los compositores. Usaba letras
para designar cada posición, dichas letras van desde la A hasta la
Z, exceptuando las letras J, U y W; además utilizaba dos signos: +
(para el acorde de Mim) y & (para el acorde de Reb).
hacer más rica la armonía; se llamaron alfabetos falsos o lettere tagliate.
Con el alfabeto
falso se pasó de las tríadas en estado fundamental o en inversión,
a acordes con notas añadidas que permitían la mejor conducción de
las voces.
La invención del
alfabeto dio paso a la utilización del estilo rasgueado. En los
rasgueos se tocan todas las cuerdas del instrumento duplicando
algunas notas de los acordes, la combinación del estilo rasgueado y
el punteado dio paso al llamado estilo mixto; estilo para el cual se
escribiera la mayor cantidad de música para GB en los siglos XVII y
XVIII. Al respecto nos dice Arriaga:3
• Primera modalidad: se describen con palabras la posición de los dedos en el mástil. Ejemplos de este tipo se encuentran en los libros de Pico, Ribayaz, Millioni y Marchetti.
• Segunda modalidad: muestran dibujos de las manos sobre el diapasón del instrumento. Ejemplos de este tipo se encuentran en el libro de Sanz y Minguet e Yrol.
• Tercera modalidad: es la más común y consiste en mostrar en la tablatura las notas que se han de pisar. Utilizada por todos los compositores de GB menos Pico, Ribayaz, Millioni, Marchetti.
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| Alfabeto italiano. |
-Castellano:
El alfabeto
castellano utiliza números, letras y signos para la designación de
los acordes. Los números van del 1 al 9 y las letras son la P, C y
X; y el signo +.
Según Arriaga:
“El alfabeto
castellano lo encontramos por primera vez en el Método muy
facilíssimo de Luis Briçeño (1626), y diez años más tarde en la
Harmonie Universelle de Mersenne.”
Algunos acordes como
el + y la letra P tenían nombres, el primero se llamaba cruzado, por
el cruce que hacen los dedos al realizar el acorde de Re, y al
segundo se le llamaba acorde de Patilla. Ante la popularidad del
alfabeto italiano, el castellano fue utilizado en muy pocas
publicaciones, se cuentan entre ellas los libros de Ribayaz, Briceño
y Minguet e Yrol. Este resumía en su sistema los tres alfabetos más
importantes. En la parte superior de la primera línea, se encuentra
la denominación en alfabeto castellano, en la parte central el
alfabeto italiano; y debajo de la última línea la denominación en
alfabeto catalán.
-Catalán:
El alfabeto catalán
no fue muy utilizado: ante la avalancha del italiano, y su indudable
superioridad, pronto cayó en desuso, al menos en la música escrita
que nos ha llegado. Entre los escasos documentos de que disponemos,
aparece acompañando a la voz en el Cancionero de Olot, en unas
cuantas piezas, y en el libro de Minquet e Yrol de 1752.
Libros de guitarra barroca:
Las obras para
guitarra barroca se encuentran en distintos libros. Diferenciamos
entre:
-Libros italianos:
Nos encontramos con
un total de 23 libros. Alguno de ellos tienen más de un ejemplar
como los de Foscarini, Colonna y Bartolotti.
Foriano Pico
(Florencia, 1628): “Nuova scelta di sonate per la chitarra
spagnola”.
Fue el segundo en
aparecer con notación de acordes de alfabeto, el primero fue “I
lieti giorni di Napoli”, escrito por Girolamo Montesardo. La
“Nuova scelta di sonate per la chitarra spagnola”,
publicada también en Nápoles, introdujo a la escritura de alfabeto
explicaciones del pico y el repico, elementos técnicos de la mano
derecha para la ornamentación de los acordes. Aportó mejoras a la
escritura de acordes de Montesardo, añadiendo pequeñas líneas
verticales hacia arriba y abajo para indicar el sentido de los
acordes.
El libro incluye
piezas de danzas tradicionales como chaconas y pasacalles; escritos
en notación de acordes de alfabeto, sin el uso de la tablatura sino
de una línea horizontal. El prólogo trata los siguientes temas
entre otros:
-Regola per imparare
ad accordar la Chitarra Spagnola: explica la forma de afinar la GB
partiendo desde la quinta cuerda.
-Quando s’é fatta
questa accordatura si fá prova se é accordata: indica como
comprobar la afinación con la comparación de octavas.
- Modo di fare il
Trillo: explica la realización del trillo, técnica de la mano
derecha para ejecutar rasgueos hacia arriba y abajo.
El primer libro Liure de Guittarre dedié au Roy, escrito en estilo
mixto, contiene movimientos de suites organizados por tonalidad, pero
no necesariamente en forma de suites. En la página 38 se encuentra
la allemande tombeau, dedicada a Francesco Corbetta.
En la parte final de las piezas solistas incluye una serie de danzas escritas para guitarra barroca en scordatura. A partir de la página 59 incluye una serie de danzas de suite.
En el prólogo del primer libro, De Visée realiza una extensa
explicación donde enfatiza la escritura de los acordes de
rasgueado. Indica la necesidad de poner un bordón en la cuarta
cuerda, posteriormente muestra en la tablatura la escritura de los
ornamentos, entre los que se cuentan: trinos, mordentes y vibratos.
Por otro lado, indica la digitación de mano derecha donde un punto
significa el dedo índice, dos puntos el medio y una línea vertical
el uso del pulgar.
El segundo libro contiene una serie de piezas organizadas por
tonalidad pero no necesariamente en forma de suite. Incluye piezas
escritas en pentagrama con una melodía y el bajo cifrado, cifrado
por el compositor. A diferencia del primer libro, el segundo no
contiene piezas en scordatura.
La Instrucción de
Música sobre la Guitarra Española fue publicada como primera
edición en el año 1674, siendo el primer libro de piezas de
guitarra barroca publicado en España. Sanz comenta en su prólogo la
importancia que tuvo para su libro el contacto con los mejores
maestros durante su estancia en Roma y Nápoles, donde tuvo la
oportunidad de conocer la música de guitarristas tan famosos como
Foscarini y Pellegrini. El libro de Sanz está dividido en tres
tomos, de los cuales los dos primeros presentan prólogos de
introducción.
El primer tomo
contiene patrones de piezas en estilo rasgueado de las principales
danzas de moda: gallardas, villano, jácaras, pasacalles, españoleta,
folias, pavanas, rugero, paradetas, granduque y zarabandas. Estos
patrones los muestra a continuación en estilo punteado.
Posteriormente, presenta piezas de mayor extensión y en estilo
mixto, entre las que se cuentan pasacalles, jácaras, canarios,
preludios, fantasías y allemandas. En la parte intermedia incluye
explicaciones y reglas acerca del bajo continuo.
El segundo tomo,
incluye patrones de danzas en estilo punteado, pero con un mayor
número de compases que el primer tomo, entre las que se cuentan:
españoletas, canarios, marionas, marizápalos, granduque y pavanas.
Al final presenta algunos aires distintos.
El tercer tomo es el
material más difícil y de mayor calidad del libro. Contiene
pasacalles por varios tonos en estilo preferentemente punteado, pero
con la adición de acordes rasgueados en algunas variaciones. El
prólogo del primer tomo contiene información sobre la técnica de
la guitarra barroca solista, mientras el del segundo tomo está
enfocado hacia la guitarra barroca como instrumento de
acompañamiento. Los contenidos los divide en dos grupos de reglas
que organiza de la siguiente manera:
• Regla primera de
encordar la guitarra, y lo que conduce a este efecto.
-Libro de los
Países Bajos.
-1729 “Recueil
des pièces de guitare”
Se sabe muy poco
acerca de la vida de Le Cocq, la información disponible viene de la
fuente de Jean Baptiste Ludovico de Castillon, clérigo y aficionado
de la guitarra barroca, quien a su vez editó su libro.
El libro está
dividido en dos partes y presenta las piezas en estilo mixto y
escritura francesa. La primera parte contiene piezas del compositor
que mezclan danzas sin una organización en forma de suites. Entre
las danzas se encuentran: menuets, airs, gigues, andantes, rigodons,
pasepieds, fantasías, allemandes, courantes y marchas.
La segunda parte es
una recopilación de música de los “meilleurs maitres du siecle
dixseptiemes”, donde podemos ver movimientos de danzas de Derosier,
Corbetta, Colista, Granata, De Visée, Zavala y Sanz.
El prólogo fue
escrito por Castillon y nos proporciona una extensa explicación
acerca de la lectura de la tablatura, forma de pulsación,
digitación, elección de las cuerdas, explicación de los valores
rítmicos y signos de métrica. Termina con la indicación de las
marcas y signos presentes en la tablatura, donde muestra la forma de
interpretación de los ornamentos como: extrasinos, mordentes,
trinos, vibratos y los signos de digitación de ambas manos. En la
parte final, presenta un diccionario de términos donde define las
piezas utilizadas en el libro.
-Libros
franceses:
Destaca Robert de Visée por dos libros muy importantes:
-1682 “Liure
de Guittarre dedié au Roy”.
-1686 “Liure
de Pieces pour la Guitarre dedié au Roy”.
Robert De Visée fue uno de los más reconocidos tiorbistas y
guitarristas de su tiempo y llegó a tocar en la corte con músicos
como Couperin, Forqueray, Rebillé y Rebel. Uno de sus trabajos más
significativos fue trabajar en la Corte del gran Luis XIV.
En la parte final de las piezas solistas incluye una serie de danzas escritas para guitarra barroca en scordatura. A partir de la página 59 incluye una serie de danzas de suite.
La digitación de la mano derecha era un elemento importante que el
autor quería destacar. El prelude comienza con el dedo medio (dos
puntos) y después combina haciendo siempre índice y medio. La línea
vertical en el comienzo del segundo compás indica que las notas se
han de tocar al tiempo y no arpegiadas.
-Libros españoles
y de América.
Destaca el español
Gaspar Sanz.
-1697
“Instrucción de Música sobre la Guitarra Española” Tomo 1.
-1697
“Instrucción de Música sobre la Guitarra Española” Tomo 2.
-1697
“Instrucción de Música sobre la Guitarra Española” Tomo 3.
El libro de Sanz
es quizás el libro más importante de guitarra barroca en España.
Grupo 1
• Regla segunda
del templar.
• Regla tercera
para poner los trastes.
• Regla cuarta, y
explicación del Abecedario Italiano.
• Regla quinta,
declaración del Laberinto.
• Regla sexta,
para componerse con el Laberinto diferencias sobre cualquier tono.
• Regla séptima,
para llevar la mano por todo el mástil de la Guitarra con grande
facilidad.
• Regla octava,
para formar las falsas, y puntos mas dificultosos, y extravagantes de
la Guitarra, que contiene el segundo Laberinto.
Grupo 2
• Regla primera,
documentos, y advertencias generales para tañer de Punteado.
• Regla segunda,
de la mano derecha.
• Regla tercera,
de la mano izquierda.
• Regla cuarta,
del trino.
•Regla quinta, del
Mordente.
• Regla sexta, del
Temblor.
• Regla séptima,
del Extrasino.
• Regla octava,
del Apoyamento, y Esmorsata.
• Regla novena,
para tañer Arpeado.
• Regla décima, y
general a todas las pasadas.
• Regla undécima,
y ultima para tañer a compás.
Destaca Francois Le
Cocq.
Escuelas de guitarra barroca:
-Escuela española :
La
guitarra fue muy popular en el siglo XVI Y XVII. Los compositores más
importantes fueron:
-Joan
Carles Amat (1572-1642)
Es
el autor de " Guitarra Española y Vandola..", publicada
en 1596.
En
esta obra enseña la formación del alfabeto de la escuela catalana,
anteriormente explicado.
J.C.
Amat, llamará a los acordes por números a diferencia de otros
autores que lo hacen mediante letras y nombres varios.
El
tratado de Amat es el primero sobre guitarra de cinco órdenes y
explica el estilo rasgueado para acompañar danzas de la época como
gallardas, villanos, pavanillas, paseos e italianas.
La
intención de Amat, era la de ofrecer un tratado sencillo de
aprendizaje de la guitarra, para el gran número de aficionados
españoles.
Este,
menciona la guitarra de cinco órdenes, con el primer orden simple
(la cuerda llamada prima), y los 4 restantes, dobles; cuya afinación
era el 2º y el 3º al unísono, y el 4º y el 5º en octavas.
 |
| Portada de "Guitarra española y vandola". |
-Gazpar
Sanz (1640-1710)
Nació
en un pueblo
de Zaragoza. Viajó por Italia, donde estudió música y conoció las
obras de los guitarristas Foscarini, Granata y Corbetta.
Es
el autor de,"Instrucción de Música sobre la Guitarra
Española"en Zaragoza, en 1675.
Esta
es una obra extensa y completa, dividida en tres libros como hemos
explicado anteriormente. Ante el éxito, de su obra, en ediciones
posteriores, siendo la última en 1697, se incluyeron dos partes más
a la Introducción.
En
total, incluye 90 piezas para guitarra de 5 órdenes, en su mayoría,
obras de gran belleza y vitalidad.
-Gazpar
Sanz (1640-1710)
Nació
en un pueblo
de Zaragoza. Viajó por Italia, donde estudió música y conoció las
obras de los guitarristas Foscarini, Granata y Corbetta.
Es
el autor de,"Instrucción de Música sobre la Guitarra
Española"en Zaragoza, en 1675.
Esta
es una obra extensa y completa, dividida en tres libros como hemos
explicado anteriormente. Ante el éxito, de su obra, en ediciones
posteriores, siendo la última en 1697, se incluyeron dos partes más
a la Introducción.
En
total, incluye 90 piezas para guitarra de 5 órdenes, en su mayoría,
obras de gran belleza y vitalidad.
 |
| Portada de "Introducción de música sobre Guitarra Española". |
 |
Gaspar Sanz.
|
-Lucas
Ruiz de Ribayaz.
Nació
en Burgos, en 1626. Publicó la obra "Luz y Norte
musical" en Madrid, en 1677. Esta, trata sobre la afinación,
los acordes.. y en definitiva la teoría para arpa y guitarra,
plagida en gran parte de G. Sanz.
-Francisco
Gerau.
Fue
guitarrista y cantor. Se formó en el Real colegio de niños
Cantorcitos de Madrid.
Sus
conocimientos de polifonía se reflejan en su obra "Poema
Harmonico", publicada en Madrid en 1694.
Contiene
una música diferente a la de Sanz, muy elaborada, con abundancia de
efectos guitarrísticos, como ligados, mordentes y trinos.
Todo
esto en estilo punteado, de gran calidad y dificultad técnica, como
él mismo reconoce en su obra.
-Pablo
Minguet e Yrol (1715-1801)
Este
barcelonés, publicó en 1754, " Reglas y Advertencias
Generales para Tañer La Guitarra, Triple y Vandola, con variedad de
sones y danzas...". Respecto a la guitarra, es una mezcla de
las obras de Amat y Sanz.
Un
detalla interesante, es que incluye música escrita en tablatura y
también en pentagrama.
Repertorio
e Interpretación
El
repertorio de los métodos, tratados y libros de música, son muy
variados.
La
música barroca, empieza a incluir aspectos interpretativos,
señalando en algunas obras, indicaciones de tempo en tablaturas
mixtas.Se va consolidando la armonía tonal con progresiones de acordes en vez de intervalo, tensiones por el alejamiento de la tonalidad, que se resolvían en cadencias.
En cuanto interpretación son interesantes ciertos aspectos sobre la mano izquierda y la mano derecha.
-
Mano izquierda:
Los
españoles Sanz y Guerau, hacen hincapié en no usar el pulgar para
agarrar el mástil, sino usarlo como punto de poyo, para que la mano
no esté suelta y pueda moverse libremente por el diapasón.En esta época aumentó el arte de la ornamentación, haciendo uso de trinos, mordentes, apoyaturas, vibratos, ligaduras, campanellas, etc.
- Mano derecha:
Lo más destacado es el rasgueado y el uso o no de las uñas.
Comentario de audiciones
Preludio de "Preludio, Fuga y Allegro" de la BWV 998 de J.S.Bach (1685-1750).
Interpretación en clave de dos teclados por Olivier Baumont.
La obra que escuchamos es el Preludio del "Preludio, Fuga y Allego" de la BWV 998 de J.S.Bach.
J.S.Bach nace en Turingia en 1685 viviendo hasta 1750 (fin del barroco). Es un músico de corte alemán autodidacta ya que aprende el estilo y las obras de los grandes compositores de su época tocando y arreglando su música. Sus primeros trabajos fueron en pequeñas iglesias. En este período conoce a Buxtehude. En 1714 es ascendido a Konzermeister y en 1717 a Kapellmeister. Desde este año hasta el 1723 trabaja en la Corte de Cothen, donde escribe música profana como las partitas para violín y las suites para violoncello. En 1719 conoce al Marqués de Brandenburgo para el que compone los 6 conciertos de Brandenburgo para que fueran tocados por su orquesta. Durante el resto de su vida trabaja en la ciudad alemana de Leipzig. En esta ciudad su trabajo consistirá en arreglar la música para las diferentes misas de las ciudades, especialmente en la Iglesia de Santo Tomás, donde también enseña música a los niños de la Escuela de Santo Tomás que son los que cantarán y tocarán en las misas.
La pieza está interpretada en el instrumento para el que fue compuesto, el clave.
El clave es un instrumento que en el período barroco fue símbolo de poder y muy típico en los salones de la aristocracia. Podía servir como instrumento acompañante, pero en este caso actúa como solista. Un dato curioso puede ser que a partir de mediados del S.XVII, aparecieron claves con dos teclados, de manera que se podía contrastar una mano con la otra o unos pasajes de otros. Ya en el S.XVIII, estos dos teclados se podían unir y así agrupar los tres juegos de cuerdas y crear un mayor color y sonido. A cada uno de estos juegos se le podían añadir dos registros:
-1º del laúd: una almohadilla de cuero cae sobre las cuerdas, apagando los armónicos superiores.
-2º del arpa: los martinetes están demasiado cerca del puente, por lo tanto, se produce un sonido nasal.
Con el tiempo se crean mecanismos para cambiar de registro sin tener que levantar las manos del teclado. La rodilleras en el clave francés y los pedales en el clave inglés.
Quizás, lo más destacable de esta versión sea la falta de dinámica, ya que el clave no tiene dinámica. En cambio tiene una gran brillantez y es muy preciso. La sensación de dinámica se crea al oyente a través de las articulaciones.
El fraseo tiene la singularidad de no ser metronómico, se aprecia un uso de la agógica (modificaciones del tempo que no se encuentran escritas en la partitura). Escuchamos que se hace a tempo la célula a partir de la cual se desarrolla el preludio (tres primeras notas), se hace una pequeña aceleración y hacemos el arpegio final del motivo temático a tempo de nuevo. En los pasajes que están formados por progresiones, oímos como se conducen las diferentes voces, ya que son tres, hasta el punto culminante para posteriormente resolver la tensión acumulada. Por tanto, el preludio está formado por un motivo temático anacrúsico que se repite transportado a lo largo de la obra, por progresiones y por algunas estructuras pregunta-respuestas. Una curiosidad es que el preludio está escrito en MIbM, aunque nosotros lo tocamos normalmente en REM.
No observamos ningún tipo de rubato, ni glissandos, ni recursos de ese estilo puesto que no son propias del barroco ya que no hacen falta ya que la música de Bach no necesita más de lo que está escrito.
Preludio de "Preludio, Fuga y Allegro" de la BWV 998 de J-S.Bach (1685-1750).
Interpretación en guitarra actual por Judicael PERROY.
La obra que escuchamos es el Preludio del "Preludio, fuga y allegro" de la BWV 998 de J.S.Bach.
J.S.Bach nace en Turingia en 1685 viviendo hasta 1750 (fin del barroco). Es un músico de corte alemán autodidacta ya que aprende el estilo y las obras de los grandes compositores de su época tocando y arreglando su música. Sus primeros trabajos fueron en pequeñas iglesias. En este período conoce a Buxtehude. En 1714 es ascendido a Konzermeister y en 1717 a Kapellmeister. Desde este año hasta el 1723 trabaja en la Corte de Cothen, donde escribe música profana como las partitas para violín y las suites para violoncello. En 1719 conoce al Marqués de Brandenburgo para el que compone los 6 conciertos de Brandenburgo para que fueran tocados por su orquesta. Durante el resto de su vida trabaja en la ciudad alemana de Leipzig. En esta ciudad su trabajo consistirá en arreglar la música para las diferentes misas de las ciudades, especialmente en la Iglesia de Santo Tomás, donde también enseña música a los niños de la Escuela de Santo Tomás que son los que cantarán y tocarán en las misas.
La obra está interpretada por Judicael PERROY en guitarra actual.
Este preludio también lo podemos escuchar en guitarra barroca de cinco órdenes donde suena más acorde al estilo ya que el instrumento aunque no sea el original, es propio del período barroco.
Perroy toca el preludio en ReM no en MibM como por ejemplo sí lo hace David Russell. El cambio y la transcripción para un instrumento que no es original se nota bastante.
En el clave no se puede hacer ningún tipo de dinámicas ya que el propio instrumento no te lo permite. En esta versión si apreciamos un contraste de planos sonoros al empezar las progresiones hasta llegar al punto culminante y su posterior resolución. Además, en el motivo temático hace buen uso de la agógica evitando un motivo metronómico. Recursos como retardos, rubatos, etc... no se aprecian ya que es una obra barroca. Muchas versiones de este preludio sí lo hacen, creando un versión "romántica". El fraseo es similar al del clave, aunque con distintos timbres al tratarse de otro instrumento y hay más facilidad para hacerlo que con el clave. En cuanto a interpretación, me gusta más que la primera versión ya que me cuesta conectar con un instrumento "no familiar". El intérprete transmite y conecta con el timbre y tiene absoluto control y dominio sobre la obra. Esta versión es una de las mejores que he oído en guitarra actual.
Sonata K.380 de Domenico Scarlatti (minuto 24:30).
La obra que escuchamos a partir del minuto 24:30 es una sonata de las más de quinientas que tiene Domenico Scarlatti. Concretamente es la sonata K.380.
Domenico Scarlatti nace en Nápoles en 1685 y vive hasta 1757 muriendo en España.
Aprende música con su padre y con 15 años ya es compositor y organista titular de la Capilla de Nápoles. Con 35 años es maestro de capilla en Portugal, donde imparte clases a María Bárbara de Braganza, futura esposa del próximo rey de España. Debido a esto se traslada a España y será durante el resto de su vida maestro de capilla y músico de cámara de la reina. Tocará el clave todos los días y también es caballero de la Orden de Santiago.
Scarlatti compone sus obras para clave. Esta versión está interpretada en el instrumento para el que fue escrita.
Domenico Scarlatti nace en Nápoles en 1685 y vive hasta 1757 muriendo en España.
Aprende música con su padre y con 15 años ya es compositor y organista titular de la Capilla de Nápoles. Con 35 años es maestro de capilla en Portugal, donde imparte clases a María Bárbara de Braganza, futura esposa del próximo rey de España. Debido a esto se traslada a España y será durante el resto de su vida maestro de capilla y músico de cámara de la reina. Tocará el clave todos los días y también es caballero de la Orden de Santiago.
Scarlatti compone sus obras para clave. Esta versión está interpretada en el instrumento para el que fue escrita.
El clave es un instrumento que en el período barroco fue símbolo de poder y muy típico en los salones de la aristocracia. Podía servir como instrumento acompañante, pero en este caso actúa como solista. Un dato curioso puede ser que a partir de mediados del S.XVII, aparecieron claves con dos teclados, de manera que se podía contrastar una mano con la otra o unos pasajes de otros. Ya en el S.XVIII, estos dos teclados se podían unir y así agrupar los tres juegos de cuerdas y crear un mayor color y sonido. A cada uno de estos juegos se le podían añadir dos registros:
-1º del laúd: una almohadilla de cuero cae sobre las cuerdas, apagando los armónicos superiores.
-2º del arpa: los martinetes están demasiado cerca del puente, por lo tanto, se produce un sonido nasal.
Con el tiempo se crean mecanismos para cambiar de registro sin tener que levantar las manos del teclado. La rodilleras en el clave francés y los pedales en el clave inglés.
La obra interpretada en el clave no puede ser dinámica, ya que este instrumento no tiene. El clave juega con las distintas articulaciones para crear dinámicas. El fraseo también es muy difícil pero se aprecia, sobre todo es apreciable para alguien que ha estudiado el barroco y tiene conocimientos musicales. Da la sensación que para frasear y contrastar usa los dos teclados que puede tener un clave y así contrastar. No se aprecia uso de la agógica ni tampoco demasiados timbres.
Bajo mi punto de vista es una versión fría debido a la ausencia de dinámicas y de timbres. No obstante no hay que ignorar la complejidad que posee este instrumento debido a sus limitaciones. Por tanto, es diga de admirar dicha versión.
Bajo mi punto de vista es una versión fría debido a la ausencia de dinámicas y de timbres. No obstante no hay que ignorar la complejidad que posee este instrumento debido a sus limitaciones. Por tanto, es diga de admirar dicha versión.
Sonata K.380 de Domenico Scarlatti.
Interpretación en guitarra actual por Xavier Jara.
Domenico Scarlatti nace en Nápoles en 1685 y vive hasta 1757 muriendo en España.
Aprende música con su padre y con 15 años ya es compositor y organista titular de la Capilla de Nápoles. Con 35 años es maestro de capilla en Portugal, donde imparte clases a María Bárbara de Braganza, futura esposa del próximo rey de España. Debido a esto se traslada a España y será durante el resto de su vida maestro de capilla y músico de cámara de la reina. Tocará el clave todos los días y también es caballero de la Orden de Santiago.
Scarlatti compone sus obras para clave. Esta versión está interpretada en guitarra actual con cejilla en el segundo traste, la tercera cuerda en fa sostenido y la sexta cuerda en re. El intérprete es el joven Xavier Jara.
Nace en Minneapolis (EEUU) a mitad de los años noventa. Actualmente estudia en París. Ha ganado los concursos más prestigiosos del mundo como el Noveno Festival de la Guitarra de Boston y el de Coria (Cáceres) en el año 2015. Destaca por su prodigiosa cabeza y sus cualidades naturales que unidos a un repertorio de calidad y original hacen que con poco de 20 años sea uno de los mejores guitarristas del mundo.
En esta versión podemos apreciar como ejerce un control absoluto con las dinámicas, sabiendo en cada punto como tiene que tocar y un fraseo perfecto con uso correcto de la agógica.
También se puede escuchar el gran control de timbres, hecho que en el clave no se puede hacer porque no los tiene, al igual que la dinámica.
Objetivamente es perfecta: control técnico, precisión, control de estilo, control musical, dominio sobre el escenario (absoluta relajación y tranquilidad), un perfecto fraseo y control absoluto sobre las dinámicas.
Subjetivamente para mí es perfecto. Sabe transmitir una paz y una tranquilidad y el significado real de las obras. Para mí, el guitarrista perfecto y el ejemplo a seguir por todo aquel que quiera ser alguien en el mundo de la guitarra.
Aquí alguna demostración (GFA 2016):
https://youtu.be/ZYc_eYDD9EQ
(Boston GuitarFest)
https://youtu.be/wwsoQb5meJ4
Bibliografía
-Blog "Historia de la Guitarra"
-Enciclopedia Wikipedia.
-Tesis doctoral sobre la enseñanza de la guitarra barroca.
-http://www.march.es/musica/jovenes/cuadros-que-suenan/guitarra-barroca.asp
-Teoría acerca de la guitarra, clave, J.S.Bach y Domenico Scarlatti procedente del libro de texto de Historia de la Música de 5EEPP del CPM Javier Perianes de Huelva.
-Referencias acerca del estilo barroco aprendidas en clase de Análisis Músical de 5EEPP del CPM Javier Perianes de Huelva.
Me ha encantado la entrada. Muchas gracias por compartir!!!
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